O meu Blogue é um pouco de mim.Procuro através dele transmitir os meus gostos e as minhas ideias.Escreverei sobre aquilo que me vai na alma tendo sempre presente a máxima de Aristóteles que num belo dia disse: "Somos aquilo que fazemos consistentemente.Assim, a excelência não é um acto mas sim um hábito".
O nome do meu Blogue é uma homenagem que faço a essa grande pintora do século XVI que foi Artemisia Gentileschi.
Que Vivas para sempre Minha Deusa da pintura!
Já está em exibição em Portugal a magnífica série "Jogo de Tronos", baseada nos livros de Jeorge R.R. Martin.A série com a chacela da HBo está muito bem conseguida, tem bons actores, os cenários são fantásticos, a história bem urdida e a banda sonora é fantástica. A série prende desde o 1º episódio e faz com que desejemos ver o próximo episódio o mais rapidamente possível. Os personagens têm grande desnsidade psicológica, os diálogos são bons e o guarda roupa uma obra prima! Mais uma vez a HBo está de parabéns .
No dia 25 de Outubro de 1881 nasceu em MálagaPablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuceno María de los Remedios Cipriano de la Santísima Trinidad Ruiz y Picasso, mais conhecido por Pablo Picasso.Presto aqui a minha homenagem a este grande pintor abordando aqui uma tela pouco conhecida mas muito interessante deste grande pintor.Esta tela pertence ao período azul, quando o artista vivia em Paris, em condições económicas e pessoais bastante adversas e precárias. Foi executada durante o verão e o Outono de 1901, paralelamente às primeiras personagens isoladas e miseráveis que começaram a povoar a sua obra. A menina está a comer afincadamente da sua taça de sopa, que inclina para obter a maior quantidade de liquido possível. Junto ao prato, apenas um pedaço de pão e um copo.A alusão à pobreza é evidente e reflecte o estado de ânimo de Picasso, assim como as suas condições materiais.O título irónico, reflecte este sentimento. A temática é típica do período azul, apesar de a cor ainda não o ser, uma vez que é demasiado viva e luminosa para se inserir no estilo que dominou a sua obra entre os anos de 1901/1904.Nesta obra, Picasso enfatiza a silhueta através de uma linha negra e grossa.Deste modo, a forma, simplifica-se e o artista expõe a essência do objecto, retirando a cena do mundo quotidiano e colocando-a num plano simbólico.A pincelada rápida e grossa é típica da primeira etapa artística de Picasso, quando chegou a Paris, em 1900. Nessa altura, absorveria todas as influências dos pintores modernos, como Toulouse-Lautrec, que mostra a sua influência nesta parte da tela.Pablo Picaso (1881-1973) realizou esta tela em óleo sobre tela por volta de 1901 e a mesma pode ser apreciada no National Gallery of Art em Washington.
Um divertido apanhado com 25 celebridades, antes de o serem - incluindo Angelina Jolie, Jim Carrey, Keanu Reeves, Jack Nicholson, Natalie Portman, Jack Black, Joseph-Gordon Levitt, Harrison Ford, entre outros.
Esta obra de David Teniers-the elder, que aqui aparece, denominada de "Fumadores" é tanto mais pertinente e extremamente risível, quanto sabemos o quanto os fumadores 'sofrem' hoje em dia para conseguir concretizar o seu vício. Não sou fumadora nem nunca fui, mas sou uma 'mente aberta' e respeito aqueles que o são. Evidentemente que a lei beneficiou-me imenso, uma vez que em espaços privados (não tarda nada será também nos públicos!Lol) não tenho que levar com o cheiro de tabaco inalado pelos que dele tiram algum prazer.Assim, a obra do artista flamengo David Teniers, acaba por ter uma actualidade (penso que todos os que fumam comugam com ela) e acaba também por ser uma amostra do gosto deste artista pelas cenas dos costumes. No que nos ocupa, vemos em primeiro plano três homens sentados em tamboretes de madeira, enquanto passam o seu rico tempinho a fumar. Um deles acende um cachimbo, o outro simplesmente aparece a fumar e o terceiro seca o tabaco com a ajuda de um fósforo aceso.Em segundo plano, outros homens dedicam-se à mesma tarefa de fumar, enquanto pela porta do bar entra um homem que segura um jarro de barro.Torna-se interessante a comparação inevitável que se faz desta estranha obra, com as cenas de interior do artista holandês Jan Steen, que já abordei aqui em post anterior.Isso é verificável, tanto no tratamento concedido às personagens, como pela luz alaranjada que banha a composição.De facto o jarrão de barro que vemos em primeiro plano possui brilhos incríveis, visíveis sobretudo na curvatura deste. Por outro lado, esta obra, acaba por ser uma amostra da apetência do artista para representar este tipo de objectos do quotidiano. Se repararmos bem no fundo da composição, vemos uma prateleira pendurada da parede que quase passa despercebida por ser de uma cor escura semelhante à da parede.Nela estão colocados objectos rústicos do quotidiano.Assim,D.Teniers, apresenta-nos toda uma galeria muito ampla de objectos, desde jarros, garrafas de vidro, decantadores de vinho e recipientes vários.Vemos ainda que a atmosfera que se respira nesta obra é um pouco carregada, devido ao fumo que se estende por toda a sala e, por outro lado, é quente pelos efeitos de luz sobre as personagens que nela figuram e pelo mobiliário carregado de utensílios domésticos. Esta deliciosa obra de David Teniers denominada de "Fumadores" é óleo sobre tela, e pode ser vista no Museu de Arte Antiga em Lisboa.
Agora há dias em que estou extremamente tensa, agitada...nada me consegue relaxar, acalmar, durmo mal e por isso acordo cansada ,esgotada e mal humorada. Abro o frigorífico, mas nada me satisfaz...então como uma pequena taça de gelatina e começo a trincar uma maça, quedando-me quieta, olhando pela janela da cozinha. A minha cadelita fica sentada ao meu lado esperando, olhando-me ansiosamente e aguardando pacientemente que eu me lembre dela e que lhe dê um pedaço da minha maça.Tento concentrar-me no trabalho, corrijo alguns, e depois distraidamente ponho música a tocar na Internet. Depois bruscamente, baixo o som porque ela tira-me o sossego e quero ficar sossegada. Não gosto de nada e parece-me que nada gosta de mim. Subitamente coloco o Pc em stand-by e ligo a televisão, faço zapping, há grandes quantidades de programas a passar e nada que me satisfaça.Depois sinto-me desconsolada e apodera-se de mim a sensação de perda de tempo.Os meus pensamentos continuam presos ao problema que me aflige e depois apercebo-me que já nem sei que problema é esse, porque mesmo não havendo problema algum dou conta que continuo preocupada.Então sento-me e tento concentrar-me novamente no trabalho. Com isso passaram-se horas de um tempo precioso que não voltará jamais!
Com esta muito deliciosa cena de costumes, Pietro Longhi, nascido em Veneza, apresenta de uma forma satírica a prática da medicina. O humor irónico do artista ao tratar os temas, pode apreciar-se nas próprias personagens da composição, que fazem lembrar uma peça de teatro posta em cena pelo grande Molière.O realismo de P.Longhi pode apreciar-se na caracterização das personagens, assim como nos gestos expressivos que ambos realizam, senão vejamos: o especialista, (o toque burlesco está acentuado pelo extravagante gorro do boticário), examina os dentes de uma jovem veneziana que, algo assustada, realiza um gesto de protecção com os seus braços inclinando o corpo para trás. Atrás dela, dois homens, um deles sacerdote, parecem aguardar a sua vez para serem atendidos pelo boticário. À direita, um homem, com uma longa cabeleira grisalha, escreve as suas receitas enquanto uma última personagem alimenta o fogo de um fogão para aquecer as poções. Atrás do ancião que escreve com dedicação as receitas, podemos observar uma colecção de frascos de farmácia que normalmente continham as plantas medicinais com propriedades terapêuticas, muito habituais em qualquer botica da época. Por sua vez, a luz recai sobre as personagens principais deixando as secundárias na sombra. O carácter narrativo da cena tratado com excelente realismo descritivo, transporta o espectador para o ambiente quotidiano da Veneza do século XVII.Os aspectos caricaturais na representação dos traços psicológicos das personagens devem ser considerados como algo de relevante nesta muito colorida e divertida composição. Esta obra de Pietro Longhi, é óleo sobre tela e pode ser apreciada na Galeria da Academia na bonita e romântica cidade de Veneza.
A obra que aqui aparece é uma das mais célebres obras de Pierre-Auguste Renoir, realizada por volta de 1876, e como tal uma das peças mais emblemáticas da colecção do Impressionismo do Museu D'Orsay em Paris.O quadro que tinha sido exposto na terceira exposição dos Impressionistas, em 1877, mostra-nos, de uma forma alegre e muito colorida, a multidão que se dirigia, em busca de diversão, ao baile dos domingos do conhecido Moulin de la Galette. Tratava-se de um moinho convertido em café, no então subúrbio de Montmartre, hoje em dia um bairro emblemático da cidade de Paris. Há que salientar a despreocupação e o desprendimento com que a multidão desfruta do ambiente jovial proporcionado pelo baile ao ar livre, como um momento de evasão dos problemas do dia a dia. A jovem que surge sentada em primeiro plano tem uma expressão risonha e adopta uma postura descontraída e de uma grande naturalidade.O seu bonito vestido todo às riscas revela-se exagerado e atrevido, conferindo uma nota de modernidade à moda da época representada na tela. Um outro par dança e parece gozar o momento proporcionado pelo baile. A expressão enamorada dos seus rostos e o seu gesto carinhoso constituem, por entre a multidão, um piscar de olhos atrevido ao espectador da cena.A pincelada dinâmica e difusa, utilizada pelo artista esbate os rostos dos personagens, muitas das quais eram amigos do pintor.O movimento transmitido pelos gestos das personagens é potenciado pelos efeitos de luz e de cor. A luz é tratada com grande mestria ao incidir sobre as figuras da cena e, inclusive, sobre o terreno onde tem lugar o baile, em forma de brilhos refulgentes, após ter sido filtrado por entre as folhas das árvores, que, ainda que não visíveis, poderão por nós ser imaginadas.Um obra espectacular, uma obra do apogeu de Pierre Auguste Renoir, que juntamente com "O Baile do Campo",e a obra "Pequeno Almoço dos Barqueiros", fazem deste pintor um dos grandes artista do século XIX.Este "Baile do Moulin de la Galette", é óleo sobre tela e pode ser apreciado no Museu D'Orsay.
Ponham o ecran em full screen e liguem o som!Depois da partida dos Alpes dirigir-se-ão para Oeste indo sobrevoar a baixa altitude o Vale do Loire passando mesmo por cima do castelo de Chenonceau (sobre o Cher) e logo de seguida à vertical dos telhados do castelo de Chambord. Caminhando para a Bretanha, a Norte, vão ver o Mont-Saint-Michel e mais adiante, já na costa atlântica francesa de Albâtre, brancas formações rochosas na região das falésias de Étretat, com o arco da falésia de Aval, e, pouco depois, sempre em direcção a Leste, praias do desembarque na Normandia e o memorial do cemitério americano da II GG em Colleville-sur-Mer.Finalmente, sem se aperceberem estarão muito próximo do litoral Sul mediterrânico e dos Pirenéus orientais sobrevoando no país dos Cataros, não longe de Carcassonne, as ruínas do castelo-fortaleza de Peyrepertuse. Quase a terminar o passeio, próximo de Nimes, serão surpreendidos pelo magnífico aqueduto romano conhecido como ponte sobre o rio Gard. Gard que é um dos afluentes do Ródano. É que importa não esquecer que, o lago de Genebra ou Léman, é nem mais nem menos que um lago de passagem do Rodáno, o qual antes de atingir o mar banha duas cidades que muito agradam : Lyon e Avignon.Muito bonito e relaxante.
Bono, George Clooney, Annie Lennox, Colin Farrell e outras estrelas juntaram-se para gritar uma palavra obscena começada por F com 4 letras. Sabe qual é?Fome é a palavra obscena que a ONG ‘ONE’ denuncia nesta poderosa campanha ‘Hungry No More’ que alerta para este grave problema no Corno de África (Etiópia, Somália e Djibuti)
Com calma, desfrute deste longo quadro chinês com perspectiva.Desloque o cursor de um lado para o outro. Logo que aparecerem os quadrados brancos, clique neles. São 3 e entrará no local e verá os detalhes do quadro.O quadro foi pintado em 1018-1118, durante a dinastia da "Canção do Norte".
Note que a perspectiva usada, só muito tempo depois chegou à Europa.A tela foi repintada durante a dinastia Qing. Mede 5,28m de comprimento e 24,8cm de altura.É considerado como um dos grandes tesouros da China e foi exposto no museu de arte de Hong-Kong no ano passado. CLIQUE: http://www.npm.gov.tw/exh96/orientation/flash_4/index.html
A obra que aqui se apresenta retrata um tema extraído da época vitoriana, mas com um cenário próprio da antiga Grécia ou Roma, ideia a que Sir Lawrence Tadema gostava de recorrer.A composição confinada ao terraço de um templo grego ou romano, é presidida por um homem que se dispõe a entregar a uma mulher um anel de noivado, esperando, com isso, que ela se torne sua futura esposa. A atitude da mulher, que se esconde por detrás dos muros brancos, indica que vai recusar o pedido, pois ela limita-se a procurar com o olhar o homem que sobe as escadas sem que contudo na sua postura corporal se anteveja qualquer movimento de alegria, ansiedade ou jubilo. É a indiferença que impera qui.Perto dela, vemos uma amiga que a avisa de que o homem está a subir as escadas. A figura do homem, que se prepara para subir as escadas para assim pedir a mão da rapariga parece ligeiramente apagada, sendo impossível que consigamos distinguir qualquer traço do seu rosto, cujos olhos que não vemos, se fixam no anel que tem na mão. Por sua vez o céu azul que demarca a composição possui um brilho especial que é intensificado pela total ausência de nuvens.As três personagens estão vestidas com trajes romanos, embora o artista não se consiga desligar dos modelos que imperavam na sociedade inglesa do século XIX. Esta interessante obra de Sir Lawrence Alma-Tadema, (artista que gosto particularmente), pertenceu a a Amy Hislop segunda esposa de Sir Henry Tate, fundador do Tate Modern Galleries considerado o maior museu de arte contemporânea do mundo.Julga-se que este quadro poderá ter sido entregue como prenda de noivado, pois o ano de realização do mesmo (1885) coincide com a data de casamento de Sir Henry Tate com Amy Hislop.Esta obra denominada de "Uma Resposta Previsível" é um óleo sobre madeira, e pode ser visto no Tate Galleries em Londres.
"Estamos cá para deixar uma marca no universo. Senão, para que estaríamos sequer aqui?S.J
- "Acho que estamos a divertir-nos. Acho que os nossos clientes gostam dos nossos produtos. E estamos sempre a tentar melhorar. "S.J
- "A inovação distingue um líder de um seguidor."S.J.
- "Sejam uma referência na qualidade. Algumas pessoas não estão habituadas a um ambiente onde a excelência é esperada. "S.J.
- "Nós não cultivamos a maior parte da comida que ingerimos. Usamos roupas que outras pessoas fazem. Falamos uma língua que outras pessoas desenvolveram. Usamos uma matemática que outras pessoas fizeram evoluir…Quero dizer, estamos constantemente a apropriar-nos de coisas. É uma sensação maravilhosa e delirante sentir que criámos algo que devolvemos ao conjunto da experiencia e do conhecimento humano. "S.J.
- "Há uma expressão no budismo…mente de principiante. É maravilhoso ter uma mente de principiante. "S.J.
- "Vemos televisão para desligar o nosso cérebro e trabalhamos no nosso computador quando queremos ligar o nosso cérebro. "S.J.
- "Sou a única pessoa que conheço que perdeu 250 mil milhões de dólares num ano. Ajuda a fortalecer a personalidade."S.J.
- "Trocaria toda a minha tecnologia por uma tarde com Sócrates. "S.J.
- "O nosso tempo é limitado, por isso não o percamos nas vidas dos outros. Não fiquemos encurralados em dogmas, isso é viver com os resultados do pensamento de outras pessoas. Não deixem que o ruído das opiniões dos outros torne a nossa voz interior inaudível. E acima de tudo, tenham a coragem para seguir o vosso coração e a vossa intuição. De alguma forma, eles sabem aquilo em que verdadeiramente nos queremos tornar. Tudo o resto é secundário."S.J.
O Museu Carmen Thyssen, inaugurado no mês de Março de 2011 na cidade de Málaga, expõe temporariamente, desde o passado mês de Junho até 16 de Outubro deste ano, uma seleção das obras mais contemporâneas da coleção Carmen Thyssen-Bornemisza. A maioria das obras é mostrada pela primeira vez. O tema principal da mostra gira em torno da arte espanhola e das vanguardas do século XX. Os quadros de artistas internacionais, como Matisse, Braque ou Monet, são alguns dos mais atrativos das sessentas peças expostas.Também é possível ver obras de artistas espanhóis, como Picasso, Gris, Miró e Tàpies que, segundo o comissário da exposição, Guillermo Solana, "servem para contar melhor a história da arte espanhola". No p.point que se segue poderão ver um pouco mais sobre este magnífico Museu.
Maus, muito maus e ainda piores: uma magnífica montagem com os 44 melhores super-vilões da história do cinema, numa galeria que inclui Marlon Brando, Jack Nicholson, Robert De Niro, Anthony Hopkins, Daniel Day Lewis, Gary Oldman, Al Pacino, Kevin Spacey… Música: ‘East Hastings’ - Godspeed You! Black Emperor.
A lista completa de personagens e actores, por ordem de entrada em cena:
Anton Chigurh (Javier Bardem em ‘No Country For Old Men’)
Don Logan (Ben Kingsley em ‘Sexy Beast’)
Max Cady (Robert De Niro em ‘Cape Fear’)
Bill the Butcher (Daniel Day Lewis em ‘Gangs of New York’)
Drexl Spivey (Gary Oldman em ‘True Romance’)
Gaear Grimsrud (Peter Stormare em ‘Fargo’)
Clarence Boddicker (Kurtwood Smith em ‘Robocop’)
John Ryder (Rutger Hauer em ‘The Hitcher’)
Captain Vidal (Sergi López em ‘Pan’s Labyrinth’)
Dr. Christian Szell (Laurence Olivier em ‘Marathon Man’)
Alonzo (Denzel Washington em ‘Training Day’)
Mr Blonde (Michael Madsen em ‘Resevoir Dogs’)
Colonel Kurtz (Marlon Brando em ‘Apocalypse Now’)
Don Lope de Aguirre (Klaus Kinski em ‘Aguirre, Wrath of God’)
Zero Wolf (Raoul Trujillo em ‘Apocalypto’)
Kit (Martin Sheen em ‘Badlands’)
Norman Bates (Anthony Perkins em ‘Psycho’)
Michael Myers (Halloween’)
Ray (Ray Winstone em ‘Nil by Mouth’)
Patrick Bateman (Christian Bale em ‘American Psycho’)
Aileen Wuornos (Charlize Theron em ‘Monster’)
Lord Summerisle (Christopher Lee em ‘The Wicker Man’)
Leatherface (Gunnar Hansen em ‘Texas Chainsaw Massacre’)
Frank Booth (Dennis Hooper em ‘Blue Velvet’)
Paul (Arno Frisch em ‘Funny Games’)
Harry Powell (Robert Mitchum em ‘Night of the Hunter’)
Snoop (Felicia Pearson em ‘The Wire’)
Stuntman Mike (Kurt Russell em ‘Death Proof’)
Hans Grueber (Alan Rickman em ‘Die Hard’)
Mr Blonde (2nd appearance-Michael Madsen em ‘Resevoir Dogs’)
Aaron (Edward Norton em ‘Primal Fear’)
Tony Montana (Al Pacino em ‘Scarface’)
Jigsaw (Tobin Bell em ‘Saw’)
Alex Forrest (Glenn Close em ‘Fatal Attraction’)
Nicky Santoro (Joe Pesci em ‘Casino’)
Baby Jane Hudson (Bette Davis em ‘Whatever Happened to Baby Jane?’)
Harry Lime (Orson Welles em ‘The Third Man’)
Nurse Ratched (Louise Fletcher em ‘One Flew Over the Cuckoo’s Nest’)
The Joker (Heath Ledger em ‘The Dark Knight’)
Annie Wilkes (Kathy Bates em ‘Misery’)
John Doe (Kevin Spacey em ‘Seven’)
Hannibal Lecter (Anthony Hopkins em ‘The Silence of the Lambs’)
Jack Torrance (Jack Nicholson em ‘The Shining’)
Alex (Malcom McDowell em ‘A Clockwork Orange’)
É difícil não encontrar as imagens da cidade escolhida.Basta clicar na cidade pretendida (ou 'procurar') e ver as fotografias. Há cerca de 204 mil fotografias para 20 mil cidades.
É interessante a hipótese de adicionar a nossa própria fotografia.
É necessário utilizar o zoom a 3200% para conseguir ver, mais ou menos, todas as cidades com fotografias em Portugal.
Caso haja alguma dificuldade, é melhor ir para a opção- 'procurar'.
Boa Vagem!
Ticiano Vecellio (1488/1576), realizara várias obras sobre o tema "Vénus".Os elementos distintivos entre elas centram-se basicamente na figura de Vénus.Aqui nesta "Vénus com o Amor Ouvindo Música", podemos ver esta deusa do Amor e da beleza, deitada, num leito coberto por sumptuosas sedas.Vénus surge nua e com o sexo à vista, contrariamente à "Vénus de Urbino", que tapa o sexo com uma mão. Está acompanhada por um Cupido que a olha maravilhado pela sua grande beleza. Junto de Vénus, podemos ver um organista com as mãos sobre o teclado, mas que, no entanto, dirige os eu olhar para o sexo de Vénus.Então, o que aqui esta deusa representa é o puro amor carnal. Trata-se de uma alegoria aos sentidos da visão, o organista que contempla a beleza de Vénus, e da audição, através da música tocada por aquele. Ao fundo da composição, podemos observar uma paisagem iluminada pela luz do entardecer, onde se avista uma grande fonte de pedra, alguns animais, como veados e um pavão e também, podemos apreciar um casal apaixonado, passeando pela floresta. As cores empregues por Ticiano nesta obra são quentes e intensas.Também o modo como pinta as árvores confere grande profundidade ao espaço compositivo.O casal que se passeia pela floresta é mais um elemento que alude ao amor carnal.Também o corpo da própria Vénus é representado atendendo aos cânones de beleza da época. Trata-se de uma mulher gorda e com o tomo de pele extremamente pálido. Esta obra foi um presente de Ticiano para o imperador Carlos V durante a sua estadia em Augsburg. Esta tem tem consideráveis dimensões de 1.48x2.17cm, é óleo sobre tela e pode ser apreciada no Museu do Prado em Madrid.
Algumas pessoas têm toda a sorte do mundo… sem saber muito bem como!
Novo anúncio ‘Some people are lucky in life’, do banco norueguês DnB NOR, com George Clooney.Muito divertido!
Trata-se de uma das obras mais conhecidas do pintor Jean Désiré-Gustave Courbet, que foi exposta em conjunto com outras, da sua autoria, num pavilhão perto da exposição internacional, por se opor aos pressupostos oficiais da arte. A obra tem como título "O Atelier do Pintor", seguido de um subtítulo muito sugestivo:"Alegoria Real que define uma fase de sete anos da minha vida artística e moral".Ao que consta o artista escreveu uma carta ao seu amigo, o escritor Jules Champfleury, na qual explicava o significado desta obra. Nela vemos o artista pintando uma paisagem sob o olhar atento de uma jovem seminua e de um menino acompanhado de um cão branco adormecido no chão. O pintor é o eixo que separa ambos os lados do quadro, onde se desenvolve a cena enquadrada num fundo. À esquerda da composição, mostram-se os dois lados da sociedade, ilustrada através de personagens como o caçador com o cão, representante da classe burguesa, ou a mulher de cócoras, que simbolizaria a classe mais desfavorecida.Estão também membros das classes religiosas, representados pelas figuras de um homem judeu e de um sacerdote cristão.No entanto, à direita do quadro estão os amigos do pintor pertencentes todos eles a classes altas e representantes da cultura como, por exemplo, o músico A. Promayet que aparece em primeiro plano, ou o filósofo e sociólogo Pierre-Joseph Proudhon.Por sua vez o poeta Boudelaire, grande amigo do pintor aparece sentada à direita da composição, lendo um livro, e mostrando-se alheio à cena que decorre à sua volta.A mulher seminua que está atenta ao quadro cobre-se com uma parte do pano branco que cai para o chão, e contempla, concentrada, o artista enquanto ele pinta. É interessante observar que Courbet preferiu uma mulher aos críticos habituais dos salões, demonstrando com este facto o desagrado que estes lhe causava. Uma obra estranha e que foge aos cânones habituais. Este "O Atelier do Pintor" foi realizado em 1855 tem as consideráveis dimensões de 3.59x5.98cm é óleo sobre tela e pode ser vista no Museu D'Orsay em Paris.
Diplomado em pintura, pela escola de Belas-Artes do Porto, fez a sua primeira exposição em 1944, na I Exposição dos Independentes. Júlio Resende estudou também em Paris, para onde seguiu em 1948, e foi discípulo de Duco de la Haix e Otto Friez. As suas obras dos dias de Paris foram expostas em Portugal em 1949.Na transição entre o figurativo e o abstrato, Resende foi também professor no Porto, na década de 60.Uma das sua obras mais conhecidas em Lisboa é a decoração da estação do Metropolitano do Jardim Zoológico, em Lisboa.O Lugar do Desenho foi criado pela Fundação Júlio Resende com vista a promover o trabalho do pintor, composto por cerca de duas mil obras. Amanhã, dia 22 de Setembro, pelas 16h00, terão início as exéquias fúnebres, com celebração de missa de corpo presente na Igreja Matriz de Valbom, seguindo o funeral às 16h45 para o Cemitério de Valbom em Valbom", lê-se no comunicado.O pintor de 93 anos morreu hoje, em Gondomar, segundo as informações dadas à Lusa por um amigo do artista.
Não resisto a colocar aqui um pequeno post a propósito desta obra de Picasso, em que o mesmo pinta um retrato da escritora Gertrude Stein, sua grande amiga e conselheira. Este post vem no seguimento de um anterior que escrevi acerca da nova obra cinematográfica de W.Allen "Meia-Noite em Paris", e onde Gertrude Stein, (interpretado por Kathy Bates) aparece, qual 'rainha' adorada por conhecidos escritores e pintores entre os quais o grande Picasso.Cabe então aqui referir que esta obra de Picasso, em que vemos um retrato da escritora norte americana Gertrude Stein, foi sendo realizada pelo artista ao longo do inverno de 1905-1906, quando Picasso contava 24 anos de idade.A personagem aparece sentada numa posição a três quartos e as mãos descansam sobre a sua saia. Enverga uma espécie de casaco de tons escuros, que é compensado pela presença de uma blusa branca. A zona da cabeça implicou um trabalho enorme para o artista, que depois de a ter finalizado, voltou a pintá-la numa viagem a Espanha realizada em 1906. O rosto de Gertrude Stein apresenta umas pálpebras grossas, um nariz proeminente e uma boca pequena.Esse rosto quase nada tem a ver com a autêntica Gertrude Stein, retratada por Picasso quando esta tinha 32 anos.Ela não sorri, e o seu olhar ligeiramente desviado para a direita e inclinado para baixo é de uma serenidade extrema.Tanto a reduzida paleta cromática como certas forma utilizadas por Picasso antecedem de forma clara o período cubista, posteriormente inaugurado com a sua magistosa obra "As Meninas de Avinhão", de 1907. A retratada aparece sentada num sofá de tons avermelhados decorado com motivos florais que animam um pouco a composição, tão sumida e emersa em escuridão.O colarinho da camisa branca aprece decorado com um pregador de tons alaranjados, que á primeira vista parece ser de âmbar e que confere à composição um toque de calor muito assombroso.Esta obra de Picasso denominada simplesmente de "Gertrude Stein" é óleo sobre tela e pode ser apreciada em Nova Iorque no Metropolitan Museum of Art, mas conhecido por MoMa.
Há coisa de uma semana passou no Canal Um da RTP, um dos filmes que mais amo, deste fantástico realizador que é Woody Allen.O filme era o "Vicky, Cristina, Barcelona".Para mim este filme, a par de "Poderosa Afrodite" , "ARosa Púrpura do Cairo" ,"Alice" e " Match Point", são daqueles filmes que me marcaram para sempre em termos cinematográficos, posto que os amamos porque...temos de os amar e...ponto final. Parece que não há explicação para isso, visto que o que vemos é uma experiência única, uma combinação de talento, originalidade, bom argumento, boa realização, bons actores, etc. Desde ontem que acrescento "Meia-Noite em Paris" a esta galeria de filmes realizados por este génio que é Woody Allen.O filme é...fantástico, uma experiência cinematográfica única.Tal como já tinha acontecido em "Match Point" (Londres),"Vicky, Cristina, Barcelona" (Barcelona) W.Allen, escolhe mais uma cidade europeia para nela dar azo a toda a sua loucura imaginativa e neste caso temos... Paris, vista pelo olhar muito peculiar deste realizador. Aqui, já não é tanto a cidade em si a personagem principal (se bem que as imagens iniciais, fazem-nos ter vontade de voar rapidamente para esta cidade...) mas sim os famosos personagens que escolheram-na como porto de abrigo e como centro cultural e que nela se inspiraram para produziram obras intemporais. Assim é neste 'tunel do tempo' que o personagem principal se introduz a partir da meia noite, que vemos um excepcional e louco E.Hemingway, um tresloucado S.Dalí, um sorumbático L.Buñuel, um simpatiquíssimo e cavalheiresco S.Fitzgerald sempre atento a Helga a sua talentosa mas suicidária esposa, um P.Picasso às voltas com o seu génio algo incompreendido e uma Gertrude Stein que a todos aconselha qual rainha mestra. No meio de toda essa loucura apercebemo-nos também, que W.Allen não tem contemplações para os seus compatriotas americanos em viagem pela Europa, e os caracteriza de uma forma risível e caricatural, fazendo com que o filme se torne ainda mais delicioso.Claro que o visionamente do filme requer algum conhecimento dos personagens históricos que vão surgindo e dos diálogos que o personagem principal (Gil Pender, bem interpretado por Owen Wilson) vai tendo com os mesmos.Contudo, isso é um risco que o realizador corre e que a meu ver consegue sair airosamente, quanto mais não seja porque tudo é feito de uma forma muito leve, com diálogos muito bons e com uma fotografia lindíssima de uma Paris feita do presente e de um passado magnífico, com personagens únicos e irrepetíveis e que à imagem do que acontece com Gil, sentimos vontade de ter essa capacidade de negação do presente e poder viajar para o passado e por lá ficar, a rir a conversar e a ouvir o grande e talentoso...Cole Porter.Um filme obrigatório para todos os que amam o cinema.
A obra que aqui aparece trata-se de uma pintura de Honoré-Victorien Daumier na qual uma lavadeira é a protagonista da cena. Recordemos que, na época, era muito frequente as mulheres lavarem diariamente a roupa no rio Sena, e esta pintura é disso exemplo. A lavadeira foi com a sua pequenita filha lavar a roupa. Esta última socorre-se de uma pá para subir as escadas que vão do rio até ao passeio. A cena tem como enquadramento a cidade de Paris, vista através dos edifícios brancos, sobre os quais incide a luz da manhã. O céu, pintado através de manchas avermelhadas, azuis e ocre é uma amostra do carácter impressionista de alguns pormenores das pinturas de Daumier, que, não era um artista muito dado á paisagem, mas sim ao enquadramento das suas obras em temas sociais da altura como esta obra é disso exemplo. A menina que acompanha a sua mãe na árdua tarefa de lavar a roupa diariamente, tem dificuldade em segui-la, pois utiliza uma pá que lhe serve para subir as escadas. Por sua vez a sua mãe, a lavadeira, leva debaixo do braço, a roupa acabada de lavar, facto que fica perfeitamente ilustrado, pois esta parece recém-escorrida. Daumier utiliza tons escuros em toda a obra acentuado assim o carácter pesado da tarefa e a tristeza daquelas que ase entregam a tarefas árduas acompanhadas das suas filhas. A única tonalidade alegre é mesmo as paredes do casario por detrás das personagens e a roupa acabada de lavar. nem a própria criança escapa á escuridão da obra, muito pelo contrário, acentua-a no esforço que a pequenita faz para subir as escadas. uma obra soturna e ao mesmo tempo magnífica. Denominada de "A Lavadeira" esta obra de Honoré-Victorien Daumier, é óleo sobre madeira foi realizada entre 1860/61 e pode ser apreciada no Museu D'Orsay em Paris.
Para algumas pessoas, a dor não tem fim…
Campanha ‘Stop Pain’ desenvolvida pela TBWA para a Douleurs Sans Frontières / Pain Whithout Borders.Spot dirigido por Philippe Gamer e Fred Remuzat, produção de Alexandre Calogeropoulos, música de M83.A ver com atenção!
Morreu Andy Whitfield, estrela da série «Spartacus: Sangue e Arena».O ator faleceu aos 39 anos, em Sydney, na Austrália, vítima de um linfoma não-Hodgkin.Andy Whitfield nasceu no País de Gales e mudou-se para a Austrália em 1999.Era desconhecido quando foi escolhido para interpretar a figura de Spartacus, na primeira temporada da série de televisão (estreada em 2010) que se tornou conhecida pelas doses de violência e sexualidade gráficas, e a série acabou por lhe trazer uma enorme popularidade.Whitfield estava a preparar-se para rodar a segunda temporada, quando lhe foi diagnosticado um linfoma não-Hodgkin, há cerca de um ano e meio.O ator afastou-se então para fazer um tratamento agressivo contra o cancro e, enquanto esperava pela sua recuperação, a produtora avançou com uma prequela de seis episódios, «Spartacus: Deuses da Arena», que abordava os acontecimentos anteriores à chegada de Spartacus a Roma.No entanto, a saúde de Whitfield continuou a piorar e a produtora acabou por anunciar, em janeiro deste ano, que a personagem iria passar ser interpretada pelo ator australiano Liam McIntyre.
Este domingo, aos 39 anos, e de acordo com um comunicado à imprensa feito pela sua mulher, Vashti Whitfield, «numa bonita manhã ensolarada de primavera em Sydney, cercado pela sua família, nos braços da sua esposa, o nosso belo e jovem guerreiro Andy Whitfield perdeu a batalha de 18 meses contra o cancro».
«Obrigado a todos os seus fãs, cujo amor e apoio o ajudaram a chegar até aqui. Ele será lembrado como o pai, marido e homem inspirador, corajoso e gentil que era», acrescenta a viúva.
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A primeira tela que aqui aparece foi realizada por Paul Gauguin aquando da sua chegada a Paris, por volta de 1893/94, depois de ter vivido durante 3 anos no Taiti. Morice, o seu agente, vendera grande parte das suas obras sem lhe enviar os lucros.Por essa razão, o pintor viu-se obrigado a mudar-se para a Europa, onde chegou com várias esculturas e sessenta e seis quadros.Estes últimos foram expostos em seguida, alcançando poucas vendas e críticas contraditórias, embora a exposição não tenha passado despercebida ao público.A falta de recursos económicos do artista fazia com que o seu principal modelo fosse ele próprio.Gauguin aparece no centro da tela olhando para o espectador com o característico olhar provocador próprio da sua personalidade impulsiva e radical.O pintor parece estar no seu estúdio, cuja parede está decorada com uma tela que representa uma taitiana, o seu motivo pictórico preferido.O sentido decorativo da obra do artista reflecte-se, perfeitamente, através do estampado da toalha da mesa, esquemático e de cores primárias. O gosto/necessidade facto de Gauguin se auto retratar fez com que se conservassem inúmeros auto-retratos do pintor.Aqui, nesta tela, a arbitrariedade da cor, tão típica da sua obra, torna-se evidente no verde que preenche a parte esquerda do seu rosto.Esta tela não é grande, tem 46x38cm e é um óleo sobre tela.
Auto-retrato do Artista
A segunda tela aqui exposta foi realizada por Gauguin, no ano de 1896, altura em que voltou a residir no Taiti com Pahura, a sua vahiné de catorze anos. Sem dinheiro e com dores intensas numa perna (mal que padeceu até à sua morte atacado de sífilis), o artista sofreu uma forte depressão, tal como se depreende da correspondência com o seu agente Morice:"estou à beira do suicídio".Nesse mesmo ano, o pintor tentou matar-se com arsénico.Acalmando as dores com doses de morfina, entrou finalmente no hospital de Papeete e foi inscrito como 'indigente'.O Governo francês ofereceu-lhe um pequeno subsídio, mas Gauguin, muito orgulhoso, recusou-o. A sua agonia agudizou quando o filho de Pahura morreu, pouco tempo depois de nascer.O ano de 1896 foi, efectivamente, muito penoso para Gauguin, tal como é refletido no seu rosto neste Auto-retrato do Artista.De facto, cabisbaixo, com olhar ausente e melancólico Gauguin retrata-se sem as cores vivas e fortes que caracterizavam a sua pintura.O seu busto ocupa quase toda a superfície do quadro, constituindo uma reflexão sobre si mesmo.No ano seguinte a ter pintado este quadro, o pintor confessará que já não lhe restam "razões morais para viver", algo que nós próprios conseguimos vislumbrar neste rosto profundamente abatido. A própria bata do artista está pintada com uma cor plana e homogénea, abandonando todo o sentido de volume e claro-escuro, típico da sua grandiosa obra. Ambas as telas podem ser apreciadas no Museu D'Orsay em Paris.
Esta fotografia apresenta uma remissão para a arte vitoriana no modo como é retratada uma jovem muito contemplativa. No entanto, os motivos simbólicos usados prelos Pré-Rafaelitas são substituídos pela superfície agreste de uma certa modernidade, senão vejamos: a jovem senhora transforma-se numa bonita e sonhadora adolescente; a "carta" que ela segura na mão direita parece ser a página de uma qualquer revista social tipo "correio do coração" ; todo o enquadramento provém do cinema.Cindy Sherman,fotógrafa e realizadora norte-americana, nascida em 1954, em New Jersey, nos Estados Unidos da América,acaba quase sempre por ser a "estrela" dos seus trabalhos, encenando-os, e nos quais, sob disfarce, desenvolve uma ´série de narrativas, muitas vezes inspiradas no cinema ou na história da arte erudita. Nos seus trabalhos cada vez mais originais nos finais da década de 80, o corpo feminino passa a ser desmembrado ou substituído por próteses pornográficas, numa violenta evocação da imagem como cadáver e da mulher como vitima. O desrespetio por Sherman pelos valores tradicionais combina com um humor mordaz, dando lugar a uma abordagem muito poderosa e original. Esta obra que aqui aparece denominada de "Sem Título Nº96" é uma fotografia a cores e faz parte da Colecção Saatchi, Londres.
Selecção Oficial do Festival de Cinema de Veneza,Selecção Oficial do New York Film Festival, esta 'Vénus Negra' do realizador de "O Segredo de um Cuscus" e "A Esquiva", Abdellatif Kechiche,e com a grande Yahima Torres no papel principal, é um "murro no estômago", uma visão dantesca, tormentosa e atormentada de quem se dispõe a ver durante 3 horas os 'padecimentos' porque que passa esta 'Vénus Negra', caso verídico e símbolo da degradação humana. 'Vénus Negra' é baseado numa história verídica, a história de Saartjie Baartman, uma mulher da etnia Khoikhoil que foi exibida em espectáculos em Londres e Paris, como uma aberração devido às formas voluptuosas e algo simiescas do seu corpo. A. Kechiche não facilita e trata-nos como 'voyeurs' e como tal, transporta-nos para o lado da mais pura degradação humana, aquela que observa avidamente e por fim usa e abusa de S.Baartman.O que esta 'Vénus Negra' queria quando partiu da sua África natal era a fortuna e reconhecimento, mas o que encontrou foi um público doentiamente ávido do seu corpo invulgar, que o observa, que depois o usa e que por fim faz dele objecto de estudos académicos e não contente o esquarteja, e o exibe como uma aberração, até que o mesmo é reclamado em 2002, e por fim é enterrado com honras de Estado... as mesmas honras que Saartjie procurou sem nunca ter encontrado. Uma obra cinematográfica notável, que mostra-nos a sociedade do espectáculo e os caminhos da indignidade humana. Um filme obrigatório, um filme soberbo!
Nenhum pintor do século XX o superou em termos de conceitos excêntricos ou encenações fantásticas, mais nenhum artista serviu o mito da criatividade incondicional de modo mais maníaco, ou ao mesmo tempo de modo mais ideológico.Mas, mais nenhum artista atingiu também estes padrões com tal paixão pela perfeição do ofício. Isso trouxe, a Salvador Dalí, um esmagador sucesso comercial, e depois, a partir de 1940, quando foi para os E.U.A durante oito anos, as aclamações frenéticas do comércio internacional de arte.Todos sabemos que S.Dalí foi uma figura da moda durante décadas.Mas, nem sempre obteve a apreciação, e muito menos a simpatia dos amantes de arte 'sérios'. E até hoje, embora seja visto como um génio cujo excepcional estatuto na história Surrealismo franco-espanhol é indiscutível que as opiniões continuam a dividir-se acerca da sua importância estética e artística. Quanto S.Dalí pintou o seu auto-retrato em 1954, aos cinquenta anos, estava no auge da fama. Entre os inúmeros componentes que permeiam sinteticamente o seu trabalho, há acima de tudo dois que determinam o conceito, e ambos têm importância na pintura de 1954. Surge, em primeiro lugar, aquilo a que o artista chamou, a partir da década de 1930, o seu "método paranóico-crítico": a utilização de efeitos fisionómicos e ilusões espaciais sugestivas que criam "imagens duais" que se "sobrepõem" uma à outra. Assim, o homem nu com o bigode característico ajoelha-se tanto na praia como esta, (e as águas calmas repousam sobre a sua coxa enquanto o homem olha para cima em êxtase), ao mesmo tempo que a mão, a fazer sombra, está apoiada na própria água como se esta fosse uma placa de metal. Há uma alternância constante entre o pequeno e o grande, o perto e o longe.As montanhas costeiras da sua terra natal (Port Lligat) perto da cidade de Cadaqués, apresentam a mesma definição alucinante de pormenor que as rochas da praia. Estas altercações da realidade forma exploradas por Sigmund Freud como um princípio perceptual na interpretação dos sonhos e da teoria da neurose (que Dalí estudou ávidamente), os medos armazenados do inconsciente afirmando o seu poder desconcertante contra todas as tentativas de repressão pelo consciente racional.O segundo grande componente da obra de Dalí é, do ponto de vista da obra de 1954 muito pertinente. O próprio artista chamava-lhe "misticismo religioso-nuclear".Após o lançamento da bomba nuclear a 6 de Agosto de 1945, Salvador Dalí horrorizado mas ao mesmo tempo extasiado, desenvolveu a visão de que Deus podia ser visualizado como a coerência explosiva das mais pequenas partículas e forças, e que neste espírito o mundo moderno seria trazido à consciência das pessoas através de uma forma conjurada e através de todos os desastres. Assim o modelo da bomba atómica que surge como uma alucinação sobre a simples natureza do cão adormecido não é mais do que a visão mística de um universo interior.O facto de no centro das forças atómicas, por baixo da cúpula explosiva do velho mundo-edifício, os elementos do rosto de uma mulher (reconhecemos nesse rosto a amante, a musa e agente de Dalí, Gala), nasceram unidos unidos e separados, revela que o nu ajoelhado presta homenagem aos cosmo, que ele próprio criou, e que está unido a ele em delírio e êxtase erótico.Uma obra estranha e portentosa! Este "Auto-retrato em Atitude de Adoração" foi realizada por Salvador Dalí em 1954, é óleo sobre tela, tem 61x46cm e faz parte de uma Colecção Particular.
Se as férias servem para descansarmos, porque nos sentimos tão cansados após as ditas cujas e porque sentimos que só Deus sabe o quanto precisamos de férias para descansar dessas mesmas férias?A quebra da rotina de meses e meses de trabalho, 'ajudam na festa' assim como as deslocações que muitos fazem ao estrangeiro, as longas caminhadas, a praia, o campo, o mudar de lugar cheios de malas e bagagens, o stress na espera por uma mesa num restaurante apinhado de gente, o stress na espera por uma bebida num qualquer bar nocturno,o choro e o grito de crianças, numa piscina, no avião, no restaurante etc. Na verdade, é nas férias que muitos casais 'obrigados' a viver durante dias e dias sempre juntos, e no qual o intervalo de tempo entre o trabalho de um e de outro deixa de existir, começam a notar defeitos mútuos, que na rotina do dia a dia passam despercebido.Estudos compravam elevadas taxas de divórcio após as férias, e quando a medida não é tão drástica, o regresso a casa e o recomeço do trabalho, faz-se de implicações e constante má vontade de parte a parte.Juntemos a isso, o recomeço das aulas em Setembro, o stress na compra dos livros escolares para os casais que têm filhos e subsequente gasto de 'pipas' de dinheiro nos ditos compêndios, mochilas, cadernos, lápis, e tutti quanti, assim como a conta bancária quase a zeros e temos...faces carrancudas, tristes, e desalentadas.De facto, as férias fazem-se de um cansaço, repetido anos após anos, mas que contudo esperamos ansiosamente que chegue o mais rapidamente possível, para tornarmos a repetir tudo de novo, na certeza porém que tudo será diferente no próximo ano.
É quase impossível quando olhamos para esta tela não sentirmos os aplausos do público, o fumo dos cigarros e o suor do pugilista, que, apanhado entre dois rounds, se torna no centro desta obra do pintor americano ThomasEakins. Eakins nasceu na cidade de Filadélfia (onde aliás estão quase todas as suas obras) em 1844 e morreu na mesma cidade em 1916.Este pintor nutria um grande fascínio pela forma do corpo humano, (há vários quadros em que retrata homens e rapazes nus de uma forma magnifica).Serviu-se muitas vezes de provas desportivas, como o pugilismo ou o remo para estudar o nu em movimento.A sua curiosidade pelo corpo leva-o a pintar uma tela magnifica onde se vê um grupo de médicos a operaram um doente sob o olhar atento de uma vasta plateia. Chegou mesmo a gerar polémica enquanto professor, por achar que os seus alunos deviam desenhar modelos nus. Tendo viajado pela Europa, Eakins seria muito influenciado pelos realistas espanhóis, tais como Diogo Velasquez e Jusepe Ribera.Era, aliás, com esses dois pintores em particular que aprendeu a pintar com tão vibrante realismo. Também explorou com alguma frequência o efeito luz/sombra para criar ambientes dramáticos, tal como fizera Rembrandt. Esta obra, que aqui aparece, intitulada de "Entre Dois Rounds",não foi muito apreciada no seu tempo, mas o realismo que o caracterizava viria a obter obter a admiração da geração seguinte e isso é comprovado pelas rumarias que se fazem ao Fliladelphia Museum of Art onde se encontra esta e a maior parte das suas obras. Esta tela, realizada pelo artista em 1899, é óleo sobre tela e tem 127x191,5cm.No filme que se segue podemos apreciar mais algumas obras deste grande pintor americano.
Caravaggio de seu nome Michelangelo Merisi, nasceu em Milão e estudou com Simone Peterzano na cidade de Milão entre os anos de 1584 e 1588, antes de trabalhar na cidade de Caravaggio, perto de Bérgamo. Por volta de 1592, foi para Roma, onde colaborou em várias oficinas, e com o seu talento em breve encontrou patronos na corte papal. Devido ao seu génio agressivo e ao seu estilo de vida muito pouco convencional foi preso várias vezes e passou os últimos anos da sua vida em fuga, acabando por morrer assassinado. Em contraste com o seu contemporâneo Annibale Caracci, Caravaggio tentou insuflar nova vida na arte ao retratar as pessoas e os objectos de uma forma muito naturalista.Uma apresentação das figuras, extremamente realistas, bem como um forte contraste entre a luz e a sombra são caracteristicas da sua obra. Embora menosprezado por alguns contemporâneos, Caravaggio nunca deixou de ter grande influência em artista da gerações seguinte por toda a Europa. Os seus principais trabalhos incluem, "Cristo em Casa de Emaús", "Baco","O Chamamento de São Mateus","Judite e Holofernes", "A Vidente", "A Tocadora de Alaúde","O Enterro de Cristo", "São Jerónimo", entre outras obras de grande importãncia no panorama artístico mundial..A obra de Caravaggio encontra-se espalhada por vários museus e galerias do mundo, tais como a Galeria Borghese em Roma,a Galeria Nacional de Arte Antiga em Roma,o Museu Hermitage em São Petesburgo,o Museu do Louvre em Paris,a Galeria Degli Uffizi em Florença.
O exibicionismo e a ligeira excentricidade da extraordinariamente bonita e malograda estrela de cinema de Hollywood, Marilyn Monroe estão aqui enquadrados neste emaranhado de pinceladas como que realizadas ao acaso. A tinta foi aplicada em gestos rápidos e enérgicos para construir a imagem, camada por camada.Este quadro, de uma série intitulada Mulheres, pertence a uma das fases não abstractas do pintor holandês nascido em Roterdão em 1904 e falecido em Long Island em 1997,de seu nome Willem de Kooning. Nesta obra o artista reconhece que, como todas as mulheres símbolos sexuais, M.Monroe é na maior parte das vezes vista mais como um objecto de que como um ser humano, e retrata-a quase como um manequim de montra, sem qualquer traço de erotismo. Willem De Kooning estava muito ligado aos expressionistas abstractos sediados em Nova Iorque, grupo de artista esses, que realçavam a importância da espontaneidade e da gestualidade. Não entanto, não se restringiu à abstracção pura: o seu principal tema até à sua morte foi sempre a figura humana (em particular o feminino).A sua carreira artística teve várias fases. Na década de 1970 De Kooning dedicou-se durante muito tempo à escultura figurativa. Esta obra intitulada "Marilyn Monroe, foi realizada pelo artista em 1954 é óleo sobre tela e faz parte de uma Colecção Particular.
